El Renacimiento italiano ocupa un lugar especial en la cultura visual moderna, especialmente la cultura pop americana.
El número de veces que las re-creaciones de La Última Cena de Leonardo da Vinci han aparecido en Internet habla de la influencia duradera del movimiento de arte.
Si hay una pintura famosa que todo el mundo sabe, es la Mona Lisa, otra grapa renacentista.
En cualquier caso, ¿Alguna vez te has detenido a pensar en el contexto de estas obras de arte? El Renacimiento italiano representa un renacimiento completo y redescubrimiento de todo tipo de conocimiento, desde las matemáticas hasta las técnicas griegas y romanas.
Las obras que hemos llegado a amar reflejan una riqueza de cambios culturales, muchos de los cuales todavía podemos aprender a partir de hoy.
Echa un vistazo a nuestra lista de 10 cosas que todo el mundo debe saber sobre el arte renacentista italiano.
¡Aprenderemos un muchísimo!
El Renacimiento italiano abarca desde el siglo XIV hasta principios del siglo XVI. La mayoría de las pinturas clásicas y las estatuas que inmediatamente pensamos como arte renacentista, sin embargo, se completaron durante el alto renacimiento, desde el 1490 a 1527.
Mientras que este movimiento tuvo lugar en diferentes zonas de Italia, cuando se piensa en el Renacimiento italiano, Florencia … con un toque de Roma, gracias a Miguel Ángel.
Los principales hombres (artistas femeninas, en este período de tiempo, eran pocas y distantes entre sí) durante el Gran Renacimiento fueron las favoritas de todos los Teenage Mutant Ninja Turtles: Leonardo [da Vinci], Miguel Ángel, Rafael y Donatello.
Estos tipos establecieron el estándar durante el alto renacimiento para el color, la proporción, y la composición. Sin embargo, no serían nada sin unos pocos artistas que vinieron antes que ellos.
Giotto fue uno de los primeros artistas que agregó peso y personalidad a sus súbditos. Una manera fácil de recordar su trabajo es con la cita, “Giotto hace Madonnas.”
Luego estaba Masaccio, que era un adaptador temprano de perspectiva lineal. Era un brillante matemático y un artista talentoso (había un montón de esos tipos De chicos durante el Renacimiento).
Patrones principales
La familia Medici, una poderosa familia bancaria florentina y dinastía política, se convirtió en los principales patrocinadores del arte del siglo XV en Italia, junto con la Iglesia Católica.
Esto puede parecer dos grupos separados, pero los Médicis tenían un par de papas y un par de cardenales en la familia (gracias a Dios por el nepotismo), por lo que fueron capaces de mantener su dominio como mecenas de las artes.
Encima hay dos retratos descarados de los hombres de Medici, pero puede también jugar el juego de “manchar al patrón” al mirar las ilustraciones religiosas del siglo XV del italiano, que incluyeron a menudo representaciones de los hombres con el dinero.
Fuentes de inspiración
Los artistas renacentistas italianos estaban buscando su pasado clásico y absorbiendo toda su bondad artística inspiradora.
El Renacimiento vio el descubrimiento de muchas esculturas griegas y romanas y el redescubrimiento de edificios clásicos.
Michelangelo estaba presente cuando posiblemente la escultura más influyente, Laocoonte, estaba siendo desenterrada, y los cuerpos torcidos y altamente musculosos influyeron en su trabajo.
En el fondo del cuadro Entrega de las Llaves por el maestro renacentista Pietro Perugino (en la Capilla Sixtina), hay dos arcos triunfales romanos que son sospechosamente similares al Arco de Constantino, una antigua estructura romana que está a 20 minutos a pie de la Capilla Sixtina.
Técnica y Medio
El medio de elección para los artistas en el Renacimiento italiano fue en gran parte fresco, que se crea cuando la pintura se aplica a yeso húmedo.
Alguien que pinta un fresco tiene que trabajar muy rápidamente porque el yeso se seca rápidamente. Todo, desde el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel hasta la Santísima Trinidad de Masaccio fue pintado con frescos.
A diferencia de lo que te señalé arriba, La Última Cena de Da Vinci no es un fresco. Da Vinci experimentó con un nuevo tipo de pintura cuando creó La Última Cena, un tipo de pintura que casi inmediatamente comenzó a desprenderse de la pared.
Estamos seguros de que los conservadores están teniendo una pelota tratando de detener una de las pinturas más famosas del mundo de caerse de la pared.
Materia Bíblica
¿Recuerdas cómo dijimos que la Iglesia Católica estaba encargando muchas obras de arte durante el Renacimiento?
Giotto encendió el Renacimiento con su famosa Madonna Enthroned, vista en Florencia en la Galería Uffizi.
Observa cómo resaltó la rodilla y la cortina, una nueva forma de mostrar volumen que fue muy innovador durante su tiempo.
Casi 100 años después, los artistas tomaron una famosa historia bíblica sobre la batalla entre David y Goliat para afirmar el dominio de Florencia sobre Milán.
La pequeña ciudad toscana de Florencia era una rival de la ciudad más grande de Milán-el David a Goliat de Milán.
El David de Donatello muestra al héroe bíblico como se describe: un muchacho joven y esbelto, que está con la cabeza de Goliat bajo el pie en la victoria. Miguel Ángel, por otra parte, optó por esconder el arma de David, y su escultura no muestra incluso a Goliat.
En cambio, describe a David profundamente concentrado, concentrándose en su intelecto, en línea con el nuevo énfasis del Renacimiento en la búsqueda intelectual.
Estabilidad y simetría
Otra característica reveladora del Renacimiento es una composición estable y simétrica. Los artistas renacentistas aman triángulos, y una pirámide es una forma muy estable.
La Piedad de Miguel Ángel, que representa el momento tierno cuando María sostuvo al difunto Jesús después de haber sido sacado de la cruz, es también un gran triángulo en la composición.
Miguel Ángel agranda la parte inferior de María y la cubre con un pañuelo pesado para acomodar a un hombre completamente adulto que se acuesta cómodamente en su regazo.
El regazo de María y el cuerpo de Jesús crean la base del triángulo, y el cuerpo superior de María completa la forma.ç
Composición Matemática
Muchos artistas durante el renacimiento eran artistas y matemáticos. ¿Recuerdas cuántas cosas da Vinci hizo?
Uno de los mayores avances durante el Renacimiento fue la aplicación exitosa de la perspectiva de un punto en la Santísima Trinidad de Masaccio.
El fresco muestra a un Jesús crucificado, y debajo de la cruz hay un esqueleto destinado a recordar al espectador que ellos también son mortales, sabemos que es muy edificante.
Las líneas de arquitectura pintada detrás de la cruz retroceden en el espacio para crear la ilusión de que Jesús está allí ante el espectador.
Si estás sobre la altura de un siglo 15 italiana (no tan alto), entonces la ilusión funciona maravillosamente. No podemos hablar por personas que tienen 6 pies o más.
En 1502, el arquitecto Donato Bramante conmemora el lugar de Roma donde se cree que San Pedro fue martirizado con su Tempietto, un perfecto y pequeño templo redondo dedicado a la mano derecha de Jesús.
El pequeño edificio está formado por formas circulares y cubierto con una cúpula. Todos los elementos arquitectónicos de esta estructura han sido meticulosamente proporcionados por lo que sería completamente armonioso, simétrico y estable.
La Capilla Pazzi de Florencia también es increíblemente geométrica en su diseño arquitectónico. Su fachada se puede dividir en sub-formas de cuadrados, rectángulos y círculos.
Se creía que el uso de formas altamente geométricas, simétricas y proporcionales en la arquitectura reflejaba lo divino debido a lo impecables que son las formas. Los arquitectos estaban diseñando a Dios en sus edificios.
El domo
Los avances en matemáticas tuvieron un gran impacto en la arquitectura. Por primera vez desde la Roma Antigua, la gente estaba construyendo cúpulas que abarcaban grandes áreas.
Una de las cúpulas más famosas del Renacimiento anterior es la Santa María del Fiore en Florencia, también conocida como el Duomo, diseñado por Filippo Brunelleschi.
Hasta que Brunelleschi construyó su doble cúpula (sí, hay una cúpula interior y una cúpula exterior), no había nada que cubría la gran abertura de la catedral florentina.
Es una especie de original “construirlo, y vendrá” momento.
Más tarde, Miguel Ángel diseñó su cúpula para la Basílica de San Pedro en Roma para que fuera solo unos metros más pequeño que la cúpula del Panteón (el antiguo edificio romano famoso por su cúpula de hormigón), con el fin de rendir homenaje a los arquitectos clásicos que le precedieron.
Representaciones de temas clásicos
Si los artistas no estaban pintando temas bíblicos, estaban pintando clásicos. El Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli muestra el momento en que Venus, nacida del mar, es soplada a la orilla en su media concha, esperando ser vestida.
Ella golpea al espectador como increíblemente hermosa, pero si mira la proporción de su cuerpo, su cuello tiene lo que parece 10 vértebras en ella, y sus brazos son demasiado largos.
Botticelli distorsiona el cuerpo para crear un ideal de belleza, que representa el renacimiento del pensamiento clásico.
Casi no hay mejor manera de afirmar su superioridad intelectual que de meter todas las mentes clásicas más conocidas en una habitación.
Eso es lo que Rafael hizo por la Iglesia en su Escuela de Atenas, que algunos creen representa el pináculo absoluto de la perfección renacentista.
En medio del cuadro, tenemos a Aristóteles ya Platón, que parecen sospechosos a Leonardo da Vinci. Radiante hacia fuera es cada persona que ha hecho un impacto intelectual.
Rafael destaca las dos figuras centrales a través de una perspectiva en un solo punto. Estas mentes están todas unidas en un espacio que parece sorprendentemente similar al interior de la Basílica de San Pedro.
La creencia de que la humanidad es casi perfecta
Todos estos avances en matemáticas, arquitectura e intelecto naturalmente dieron al hombre un gran ego. La gente empezaba a ver a la humanidad como una especie de perfección divina.
Probablemente no hay momento más famoso en el arte renacentista italiano que la Creación de Adán de Miguel Ángel, donde Adán está peligrosamente cerca de tocar el dedo extendido de Dios.
Adán y Dios comparten el mismo tipo de cuerpo increíblemente musculoso. Son casi del mismo tamaño, iguales en altura el uno al otro, y casi tocando.
Para ahorrarte un discurso sobre el arte medieval, solo sé que esto era inaudito de un par hace 100 años. Antes de este momento, Dios era visto como un individuo crítico, súper asustadizo.
En la Creación de Adán, Dios es como nosotros, y nosotros somos como él.
El concepto continúa en el Hombre Vitruviano de da Vinci, donde el cuerpo de un hombre encaja perfectamente en un círculo y un cuadrado.
El hombre que se ajusta perfectamente a estas figuras matemáticamente perfectas, que se consideraban divinas en su perfección, significaba que el hombre está más cerca de ser perfecto y divino mismo.
El Renacimiento es la era más rica de toda la historia del arte y marcó definitivamente la pauta para lo que siguió.
¡Comenta si estás de acuerdo!
¡Seguro conoces la número 11 para seguir alargando esta lista!
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